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塔特尔联展,诗意的革命者

来源:http://www.macanen.com 作者:艺术资讯 人气:87 发布时间:2019-10-19
摘要:理查德· 塔特尔(RichardTuttle)正在北京木木美术馆举办在中国的首次个展,展览中涵盖了他近五十年创作生涯中的一百件作品。理查德·塔特尔的作品富有创新的地方在于他通常采用日

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理查德· 塔特尔(Richard Tuttle)正在北京木木美术馆举办在中国的首次个展,展览中涵盖了他近五十年创作生涯中的一百件作品。理查德· 塔特尔的作品富有创新的地方在于他通常采用日常用品作为创作材料,呈现出纯粹的现代主义美学,无处不体现他“为生活而艺术”的追求。诗人和艺术家这两个身份在他身上的融合,使他成为一位诗意的革新者。

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原标题:凤凰艺术 | 理查德塔特尔:一个安静革命者的回赠

诗意的美学

佩斯画廊在香港H Queen's大厦的新空间将以奈良美智的个展作为揭幕首秀。展览将呈现他最新创作的陶瓷雕塑、布面绘画及纸本作品,延续这位开创性的当代艺术家在表达与形式上的创新手法。

理查德塔特尔被称为是艺术家的艺术家,他的作品影响了一代又一代当代艺术家。他是一个诗人,也是位艺术家。他用散漫的方式来处理物质性和各种姿态是他艺术实践的显著特征,如同一切皆在沉默。

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此次盛事将与2018年香港巴塞尔艺术博览会同期举办,佩斯将在 1C22 号展位上呈现全球28位艺术家的精彩之作,并在上届展会最新推出的策展角落中呈现艺术家宋冬的一组新作。而佩斯画廊于2014年设立的香港首家空间则将为美国新锐艺术家 洛伊霍洛韦尔 举办个展。

2019年3月15日,木木美术馆与佩斯北京于同时呈现艺术家理查德塔特尔的联展:理查德塔特尔:回赠与双拐角与有色木。这是理查德塔特尔在中国的首个展览,他对当代艺术的进程有着变革性的影响,创作涵盖绘画、素描、雕塑、书籍制作、版画、装置多种媒材。作为美国后极少主义的代表艺术家之一,塔特尔擅长以简朴的材料着重展现线条、形状、颜色和空间等艺术思考的核心问题。他的作品超越了理性的判断,引导观者体会感知与无意识,并持续颠覆着传统材料、媒介和创作手法的限制。

> 理查德·塔特尔个展“回赠”展览现场,木木美术馆,2019年

我意识到,陶土比铅笔还要自由。一个蹒跚学步的婴儿在学会握笔和描画之前,首先学会的是怎样抓握、挤压、放松、再次抓握。相比使用铅笔和笔刷一类的工具,用双手直接进行创作是一个更原始的天性。奈良美智

▲ 木木美术馆:理查德塔特尔:回赠展览现场

理查德·塔特尔以诗人式的敏锐去拓展人们对于世界的感触和理解。他的个展标题为“回赠”,这是因为他将近五十年的创作称为“一场旅程”,这是一种极富诗意的比喻,他期待这场“旅程”能给予观者回赠。他在展览的纪录片中说:“人们在这场展 览中看到的,会是 一场已发 生的旅程,因为每个人都生活在一段旅途当中,他们的生活就像一趟旅途。当艺术家如此认真地记录一段旅程的时候,观众们会在其中找到或联想到自己旅途中的细微之处。”他希望回赠给年轻的艺术家以灵感,让他们在参观后能给自身的创作带来帮助;希望回赠艺术爱好者,让他们能收获丰富的艺术体验;希望藏家能在其中找到心仪的藏品;同时,这也是对塔特尔自己创作生涯的回赠,再一次重新面对自己的作品。

奈良美智自述:

在木木美术馆的理查德塔特尔:回赠中,此次展览为路径,观者得以踏上一场特殊的旅程,并在此领略构建了塔特尔创作实践的视觉与非视觉语言。此次由艺术家本人密切参与策划的展览以一百件作品概括了塔特尔长达五十年的创作生涯,聚焦于他为生活而艺术的追求、源自西方艺术谱系传统和自身经验的表达风格和在关注现实的同时,强调精神性的艺术语言与实践。

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布面绘画承载了重要的使命感,事实上这对我而言并非易事。我尝试通过享受表面色彩与构图元素的变化来减轻负担,但即便如此,我发现我仍然需要在思考后采取行动,而不是靠感觉行事。基本上可以说,我并非天生适合绘画。这么说可能会让我们一无所剩,但是出于一些原因,我还是继续画下去了。我自己也好奇

对于理查德塔特尔来说,艺术的真正本质是艺术的野心永远不会超越艺术:自从我开始创作距今已经接近有六十年的时间了。当我的创作和我的生活融为一体时,我找到了我的创作方式。对他而言,相比在生活里,我们对于事物的野心没有穷尽和局限,艺术家可以想要变得更有名,也可以想要变得更富有等等。但是在艺术当中,理查德塔特尔认为,只能在艺术所允许的限度里释放自己的野心。

> 展览现场

好,撇开我个人的担忧不说,我们来谈谈这些纸上绘画和陶土雕塑。当我拿起一只铅笔,这些画作就能自然而然地诞生,并且完全忠实于彼时彼刻的感受。但这样一种顺产在我进行布面绘画创作的时候就很难有。

▲艺术家理查德塔特尔

塔特尔将艺术带入生活之中,让艺术介入了真实,切实地让观者感知生活之美,正如历史学家纳森·费恩伯格对塔特尔的评价:“他试图发现每一个平凡细节之美 ”。

对我来说,绘画作品来之不易,它们只能被有心地创造出来,而无法依靠本能完成。这也是我之前会说绘画过程总是充满各种各样的担心与痛苦的原因。这些随笔则仿佛是一场无痛分娩,它们本能地被创造,就像呼吸一样,不需要考虑成败。

▲2014年Richard Tuttle为泰特创作的涡轮大厅年度项目I Don't Know or The Weave of Textile Language Tate Modern

观看理查德·塔特尔的作品时,确实如艺术家期待的那样,获得了朗诵诗歌般的美学体验。他的艺术作品更关注的是艺术形式,正因如此,观者常常可以从艺术作品的材料、色彩和形状等艺术形式中与艺术家产生共鸣,体会到作品中的诗意美学。如作品《金属线》拿出一种艺术以及生活的禅意。作品静置在偌大的白墙上,极简到只有金属线条这一种元素,艺术家将金属线的一端固定在墙上,然后沿着其轮廓在墙上画下一条和金属线相仿的线条,在光的照射下出现的金属线的影子即第三根线条。这种留白以及虚实的体验给观众无尽的思考空间,虚实有无间映照的也正是观者的自身。

Yoshitomo Nara, Miss Forest, Sculpture, 2016- Yoshitomo Nara

对于此次在木木美术馆的展览回赠,理查德塔特尔表示,他在了解到中国这个名词的很久之前,就已经是中国艺术的爱好者了。关于带着礼物而来的一次回赠这个想法来自于,在他的一生当中,理查德塔特尔从欣赏和观看中国艺术当中获得了甚多,他希望此次来中国展览也是一场不可思议的机会,来与此表达某种对中国的敬意。

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奈良美智在他的社交网络账号上分享了冬天雪地中的森林小姐

作为美国战后最重要的艺术家之一,塔特尔对当代艺术的进程有着变革性的影响,他自上世纪六七十年代以来多次挑战了主流艺术风格及创作惯例,运用最简朴的材料去处理线条、形状、色彩与空间关系等艺术思考的核心问题,以其诗人式感性而敏锐的洞察力唤起观者个人化的感知体验。

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Photo: Keizo Kioku via Hypebeast Yoshitomo Nara, courtesy of Toyota Municipal Museum of Art

▲1975年,纽约惠特尼美术馆为塔特尔举办的大型个展引起了艺术界的极大争议,他用最简单的材料在墙面上构图,为巨大的美术馆展厅注入了前所未有的气氛,以极端的轻挑战了彼时的既有认知。

> 展览现场

奈良美智2017年在日本丰田市美术馆举办了回顾型个展,作品跨度30年,大量纸上作品也在此予以呈现。与其复杂而耗时良久的大幅画作相比,这些作品更直接地记录下艺术家日常的情绪与思考。

▲ 木木美术馆:大型特定场域装置 《繁星论》

场域的意义

奈良美智工作室中正在创作的布面绘画 Yoshitomo Nara, courtesy of Pace Gallery

在此次展览中,观众将会看到的会是一场业已发生的旅程。因为每个人都生活在一段旅途当中,他们的生活就像是一趟旅途。当艺术家如此认真地记录一段旅程的时候,观众们会在其中找到或联结到自己旅途中的细微。在美术馆主展厅,塔特尔创作了一件与整个建筑空间展开对话的大型特定场域装置 《繁星论》,它由一层悬吊于5米高空中的手制铝网以及一组由8层棉布叠砌而成的墙面装置组成。而另一系列由艺术家专门为此次展览创作的手制瓷砖作品《地生》则分布于美术馆的不同展厅中,观者可直接站立、行走于其上。

在艺术创新上,理查德·塔特尔在作品规模与其呈现的环境中寻找潜能,他强调艺术和场域之间强大的联系。

因此每当我绘画过程进展不顺的时候,是这些随笔鼓舞着我把自己的艺术家生涯坚持下来。不过自从我大约10年前初次接触到陶土之后,陶土对我而言就变成了介于绘画和随笔之间的创作媒介。

在回赠展览中的每个展厅分别对应了塔特尔不同时期、不同方向的探索和经历,在此,艺术家和策展人创造了一个荚系统作为此一百件作品的梳理线索;展览共设33个丛,每个 丛内包含相互关联的三件作品。除过往创作外,观众还将看到一件为本次展览专门创作的大型装置、在北京驻留期间完成的诸多新作和一套包括了十本书的特别出版物。此外, 艺术家绘制了一个特殊的符号,以此作为空间设计的概念蓝本。穿行于一个个荚所营造的小径之中,对观者来说,展览如同一件完整的作品。

艺术品的展示场域几经变迁,时至今日,几乎丧失了原本的场域的意义。理查德·塔特尔赋予场域的意义新的延伸,他将艺术品与展览场域联系在一起,观者置身展览中就仿佛置身一件完整的艺术品之中。

尤其是陶艺制作中某种积极的让步,让我可以肆意完成创作,并接受烧制过后可能比我可控范围更好或是更糟的成品。这真的感觉很好。我想或许正是由于陶土这种区别于更可控材料的特性,反而令其成为了我艺术生涯中最重要的邂逅之一。

▲ 《它看上去 /不一样 /对,它确实 /看上去不一样》2018,风干陶、金属、线、钉子,20.3 21.6 12.7 厘米,摄影:Tom Barratt,图片由佩斯画廊惠允

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最近我意识到,陶土比铅笔还要自由。一个蹒跚学步的婴儿在学会握笔和描画之前,首先学会的是怎样抓握、挤压、放松、再次抓握。相比使用铅笔和笔刷一类的工具,用双手直接进行创作是一个更原始的天性。

▲ 《寻找地图 11》2013-2014,布料、木、大头针,202.6 88.3 118.1 厘米,摄影:Kerry Ryan McFate,图片由佩斯画廊惠允

> 《第7节,第N拓展》,纸板、纸、丙烯、铅笔、木、铝线、螺丝钉,21.6 × 12.7 × 11.4cm,2007年

这次个展将展出的是一些介于自由与限制之间的手工陶土作品,以及为它们提供理念支撑的纸上作品。当然还有我经由不断地忧虑和挣扎后创作而成的布面绘画新作。每当我在绘画创作上陷入苦战之时,我那藉由纸上速写而努力维持着的艺术意识,大概又通过陶土创作而提升了一些吧。

▲《质 10》2001,丙烯、杉木胶合板、钉子、锯木屑,20.6 14.3 1.3 厘米,1.9 30.5 30.5 厘米,图片由佩斯画廊惠允

由最初的用来摆放希腊诸神珍宝的神殿,记录希腊神话历史语境的意义,发展至文艺复兴时期的混杂动植物和艺术品的意义不明晰的珍宝馆,乃至18世纪晚期的公共博物馆的出现,艺术品彻底失去了与场域的联系。

奈良美智2017年在佩斯纽约举办的展览Thinker现场,Photo by Kerry Ryan McFate Yoshitomo Nara, courtesy of Pace Gallery

荚是豆类植物统称的果实,在植物学意义上,豆科与其它科区分的特点是其果实为本科独有的荚果,由一心皮发育而成,成熟时果皮沿背缝线和腹缝线开裂。随着豆科植物果实的成熟,排列在其中的果实随豆荚的爆裂,被弹射到空中,播种到远处,从而形成新的丛。而塔特尔的此次展览,正是沿用了豆荚类植物在生物学意义上的引申,用来描述其创作生涯中的线索。

本次“回赠”展由理查德·塔特尔和策展人王宗孚共同策划,用33个“丛”和一件特别制作的装置共同呈现,辅以艺术家绘制的特殊符号穿插其中。这些随场域而变换了形式的作品在特殊符号的引领下,使观者完整地欣赏到由展品和场域共同组成的完整的艺术品。

奈良美智2017年在佩斯纽约举办的展览Thinker现场,Photo by Kerry Ryan McFate Yoshitomo Nara, courtesy of Pace Gallery

理查德塔特尔生于1941年,他善于结合和运用各种艺术形式,雕塑、油画、诗歌和素描,1960年便开始在艺术舞台上展露锋芒。他细腻且戏谑的表达方式受到了许多人的喜爱,他善于利用那些不起眼的日常生活材料进行创作,比如布料、纸张、绳子、夹板等。自上世纪60年代中期塔特尔的创作生涯伊始之时,他的作品便打破了雕塑、架上绘画、纸本画作和诗歌等不同媒介的传统定义,他同时也拒绝如极简主义或抽象风格这类艺术史的分类方法。以一种开明的视野与心胸,塔特尔摈除了材料之间高低品质的美学分野,他在脆弱性中发掘张力,也在作品规模与其呈现环境之间的变化关系中找到潜能。自始至今, 塔特尔持续地创作具有当代性的作品,同时不断超越此前的范式。1972年,当他的作品《金属线》在纽约贝蒂帕森斯画廊展出时,一位观众向画廊主帕森斯问道,这件作品是否 可以被认为属于极简主义。她不悦地答道:让这些主义滚蛋吧!理查德塔特尔是一位伟大的艺术家,他乐于创新。

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奈良美智2017年在日本丰田市美术馆举办了回顾型个展,对艺术家跨度30年的职业生涯进行梳理与呈现。Photo: Keizo Kioku via Hypebeast Yoshitomo Nara, courtesy of Toyota Municipal Museum of Art

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